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Marking Loss / Marquer la perte

Paper Abstracts

PANEL 1 ABSTRACTS: Writing Erasure
Moderator:  Benjamin Young

1) Mahité Breton, Université de Montréal.  « Ma mort vous rejoindra » : Georges Bataille et l’effacement par l’écriture

« Ma mort vous rejoindra » : cette phrase, Bataille l’adresse dans Le coupable à ses lecteurs, avec lesquels il désire manifestement n’être en contact, étrangement, que sous la rature de la mort. Son désir d’anéantis0sement est indissociable d’un désir de contact avec quelque chose de plus grand que lui, dans lequel il pourrait se perdre, soit un désir d’extase mystique. Au moment où le déclin et le discrédit de la religion chrétienne laissent un vide, Bataille cherche à maintenir dans l’existence humaine une part de sacré. Comme en témoignent ses écrits des décennies 1940 et 1950, sa quête s’articule autour de textes, autour de l’écriture et de la lecture. C’est son investissement dans l’écriture que je propose d’interroger dans ma communication : Bataille fait de l’écriture ce qui lui donne la puissance d’anéantir en lui le « je » (il le dit explicitement dans L’expérience intérieure). Il ne peut alors manquer de buter sur le problème de l’ambivalence de l’écriture, qui est aussi l’affirmation d’un sujet, d’un « je ». Peut-on réellement s’effacer par l’écriture? Déjà, des siècles auparavant, des mystiques tels que Jean de la Croix et Thérèse d’Avila, auxquels Bataille fait souvent référence, ressentaient un malaise face à l’affirmation du « moi » qu’implique le geste d’écrire, affirmation difficilement compatible avec l’annihilation que suppose l’extase mystique. Leurs écrits montrent qu’ils résolvent cette contradiction en s’appuyant sur les cadres de la religion établie : ils affirment écrire pour l’édification de leurs semblables, souvent à la demande d’un supérieur, mais leur extase se lie exclusivement à Dieu et échappe au langage. La comparaison avec les écrits des mystiques permet de mieux saisir ce qui est en jeu dans la tentative de Bataille, dans son effort immense pour s’anéantir par l’écriture, et dans l’inévitable ratage qui transforme l’effacement en rature.

2) Thi Tu Huy Nguyen, Université de Paris VII.  L’effacement chez Robbe-Grillet : mécanismes de la production et de la reproduction du texte

Entre hier et demain il n’y a plus la place du présent - Robbe-Grillet. En déterminant la productivité textuelle  comme auto-destructive et annihilante, Robbe-Grillet fait de l’effacement un appel à restituer, à reconstruire, à remplir tout ce qui a été supprimé mais qui joue en même temps la double fonction de production et de reproduction du texte. La mécanisation textuelle se réalise par la multiplication d’effacements : l’effacement de la frontière entre dehors et dedans, entre extérieur et intérieur, il s’agit donc de l’abolition du sujet lui-même, ce qui reflète une nouvelle situation d’un homme sans moi sans je ni relation avec les autres : il est à la fois hors de soi et hors du monde. Un exemple proverbial : le « Je-néant », dont on a parlé, dans La Jalousie, constitue en effet un sujet non-subjectible vers lequel sont orientés les énoncés  n’ayant aucun destinataire autre que celui qui les a émis. L’effacement de l’identité : l’écriture devient l’espace de la répétition qui a la force d’abolir ou celle de mettre en doute toutes les certitudes. Les personnages se lancent dans la quête d’une vérité de soi-même à laquelle ils n’arriveront jamais. Les fragments se structurent comme le reste des parties effacées. Le dialogue dans les romans de Robbe-Grillet, un aspect linguistique et thématique, important mais négligé souvent par ses critiques, rend le caractère fragmentaire  indispensable dans l’interprétation des textes. Ce qui est la plus étonnant, c’est que le présent n’est pas en effet très important comme l’on croit toujours. Au contraire, entre hier et demain il n’y a plus la place du présent  qui n’apparaît que pour disparaît immédiatement. En construisant ce présent Robbe-Grillet l’a effacé. C’est un présent vide et paradoxalement comblé par les moments pleins durant lesquels  un sujet cherche sans cesse à compenser son propre vide en remplissant ce vide du temps. Le monde dans l’œuvre de Robbe-Grillet est tombé en ruine. Et des ruines, des effacements, des éléments du passé, l’auteur veut à la fois construire - et demander au lecteur de reconstruire avec lui - un nouveau monde deux fois plus nouveau.

3) Olivia Harrison, Columbia University.  The Palimpsest of Bi-langue in Abdelkébir Khatibi’s Amour Bilingue

The cultural production of postcolonial nations always encodes, to a greater or lesser extent, the loss suffered during colonization: of language, of culture, and of identity in their most plural and complex formations. Abdelkébir Khatibi, a Francophone Moroccan writer of the generation born under colonial rule, is one of the most articulate and radical thinkers of the postcolonial in Francophone North Africa. Defying generic categories as well as colonial, postcolonial, and nationalist essentialisms, Khatibi’s work subverts the taxonomies inherited from the colonial era, as well as those created by contemporary discourses of power. Taking as its point of departure Khatibi’s1983 récit, Amour bilingue, my paper will demonstrate that Khatibi’s fiction refuses linear, binary or adversarial logic, and instead plays a game of appearances and simulacra, weaving what he calls elsewhere a palimpsest of languages, or bi-langue: the putting under erasure of French, through his native Arabic. The languages operative in Khatibi’s writing—classical and dialectal Arabic, French, “Berber”, Spanish, English—both obfuscate and reveal one another on the layered surface of the page, and weave a text that both marks and confuses indexes of identity. Using Amour bilingue as my principal interlocutor, I will argue that the notion of bi-langue allows for a logic of the supplement and of métissage that does not disavow the pain of loss, but rather draws attention to the erasure that is always already at work in language. Amnesia, disability, androgyny and prostitution are, in Khatibi’s fiction, and particularly in Amour bilingue, symptoms of loss and indeterminacy. At the same time, these tropes herald the creation of an imaginative language that marks the place of erasure, even while it makes possible the coexistence of differences. This paradox will lead me to suggest that Khatibi’s work crestes a space for dialogue between languages, cultures, and memories, and enables a new postcolonial dialogue to emerge, one unfettered by the need to reject the other or to posit a coherent and impermeable whole.

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PANEL 2 ABSTRACTS: Identity and Erasure
Moderator:  Toby Wikström

1) Hélène Hotton, Université de Montréal. Aux frontières du silence et de la perte: l’altérité diabolique et son écriture dans les traités démonologiques de la Renaissance

« Comment expliquer qu’un Bodin et, avec lui, tant d’esprits éclairés et cultivés de son siècle, se soient laissé gagner par la fièvre démonologique ? ». Toujours actuelle, cette question de Lucien Febvre souligne bien le malaise qui surgit dès que l’on aborde l’épisode de la répression de la sorcellerie. Malaise historique d’abord, face à une problématique qui n’a jamais vraiment été élucidée, malaise contemporain ensuite, du lecteur qui se voit confronté à un savoir — la démonologie — où se perçoivent, sous les effets d’une rhétorique unifiante, les fragments d’une parole autre : celle des accusés. De fait, à mesure que l’on avance vers le XVIIe siècle, la démonologie tend à s’affranchir du savoir traditionnel (références théologiques et antiques) pour rechercher la vérité dans les faits et l’expérience. Aussi, les démonologues intègrent-ils plus que jamais la parole des coupables au corps de leur doctrine car, comme l’affirme l’inquisiteur Henry Boguet : « Qui peut mieux déposer sur les sabbats et assemblées nocturnes des sorciers que les sorciers eux-mêmes ? ». Or, de l’interrogatoire au récit institutionnel, il y a une lacune fondamentale que le scripteur doit combler en enfermant les aveux des sorciers dans des schémas préétablis, dans une grille de lecture qui implique toute une série de troncatures, de traductions et de réinterprétations. Je me propose donc, dans cette communication, d’étudier l’effacement comme stratégie textuelle privilégiée de la construction de l’identité (autant judiciaire que littéraire) du sorcier. En cédant la parole à l’Autre diabolique, les démonologues mettent en place un double processus d’effacement : la relecture des aveux des hérétiques produit l’espace du texte en même temps que l’espace de l’Autre. Chaque témoignage, chaque geste, chaque présomption se voit réinscrit dans une économie de la preuve, un véritable travail d’exégèse à l’issue duquel s’efface progressivement l’identité première du coupable et se crée le récit d’un monstre antinaturel. Au terme d’un combat entre l’accusé et l’inquisiteur, entre la parole et le texte, c’est la notion d’écriture comme filtre qui est mise en question.

2) Christophe Litwin, New York University.  L’effacement de soi dans les Pensées de Pascal

Si « le moi est haïssable », sujet d’un amour-propre idolâtre, qui toujours fait oublier au véritable chrétien l’horizon de la grâce et de la charité, le moi de l’auteur des Pensées doit nécessairement s’effacer du discours apologétique. Cependant, si ce dernier doit, autant que possible, s’effacer, il ne lui appartient pas d’identifier son écriture à l’expression de la charité. Cela reviendrait, pour l’auteur, en seconde main, à s’attribuer le pouvoir divin de conférer la grâce, donc à perdre la dite charité dans l’amour-propre. Dès lors apparaît la nécessité, au cœur du projet des Pensées, d’un discours qui questionne, subvertit sa propre valeur de charité, ou encore, d’un discours critique sur l’impossibilité pour l’écriture apologétique d’être égale au don de l’amour divin. Comment effacer le moi, sans prétendre, par quelque subterfuge dialectique, s’identifier à cet effacement, l’achever ? L’écriture de l’effacement doit critiquer sa propre possibilité, et paradoxalement revenir sur soi. S’il empêche la confusion entre charité et amour-propre, ce retour sur soi menace pourtant l’effacement de soi dont il doit conserver l’horizon : il rend l’écriture hétérogène, inachevée, la fragmente. Surtout, dans certains fragments, ce problème oblige Pascal à faire référence à lui-même et à son écriture. Nous nous proposons d’étudier ces fragments, et notamment celui où Pascal parle de « la manière d’écrire » de « Salomon de Tultie ». Ce nom est l’anagramme de Louis de Montalte, pseudonyme de Pascal dans les Provinciales. Référence à l’auteur par une représentation au second degré donc. Cependant, ce codage produit simultanément une signification : le roi sage (Salomon), de la folie (Stultitia), autre nom du chrétien dont la foi dépasse la raison vers la charité. La forme critique manifeste bien l’impossibilité d’identifier l’effacement comme tel, et force ainsi l’écriture à discourir sur soi ; mais l’exigence d’effacement travaille alors cette auto-référence, la brouille et la tourne vers la charité...

3) Andrea Thomas, Columbia University.  Lautréamont’s Masks: Imaginary Portraits in Symbolism and Surrealism.

In 1896, Remy de Gourmont and Félix Vallotton confronted a major problem in finishing Le Livre des Masques: the portrait of Lautréamont.  They had no face to represent.  If the collection was intended to paint minute details of the Symbolists, how could they represent the portrait of somebody about whom they knew nothing?  Symbolism, in Gourmont’s terms, is essentially the expression of the individual in art.  A parallel aspect of the movement, though, is its growing tendency toward abstraction in art and language.  In this paper, I propose to explore the points of convergence of Symbolism and Surrealism through imaginary portraits of Lautréamont. As evidence of both effacement and privileged iconography of an author, these portraits, taken together, present a new vision of what it means to be a writer.  Specifically, I will examine the ways in which the groups envisioned Lautréamont in both descriptive and pictorial forms. Imaginary portraits participate in the notion of a privileged individualization in literary history, a notion that grew popular in the Symbolist movement, when signifieds were dismantled from their signifiers to produce a more sublime image.  As Foucault writes in his essay “What is an Author?”: “a certain number of notions that are intended to replace the privileged position of the author actually seem to preserve that privilege and suppress the real meaning of his disappearance.”   While Foucault intentionally disregards the development of a 19th-century positivist literary criticism that favored autobiographical inquiry, I suggest that total opacity became intolerable when individualism and abstraction grew together in the end of the 19th century and into the 20th century.  From Gourmont’s Le Livre des Masques, to Schwob’s Les Vies imaginaires, and finally, to Dali’s Paranoïa Critique, the emergence of imaginary portraits fills the enigma of an absent author by translating him into a post-romantic vision of a creative hero with deep and complex motives.  The author becomes not just a creator of fictions—he becomes one himself. Until a photo of Lautréamont was recently found, his face has been subject to a century of composite sketches based on scanty description or on pure imagination.  What are the greater implications of these portraits on the reader and the critic?  What does it matter how the author looks, and how is his function complicated by his absence?  I propose a reading of portraits starting from the late 19th century as symptoms of Lautréamont’s effacement and of his coincidentally growing individuality.  Unique and mysterious, the new vision of a writer would become defined by his masks.

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PANEL 3 ABSTRACTS: Erasure Across the Boundaries: Text, Image, Performance
Moderator:  Matthew Udkovich  

1) Jenny Chamarette, Cambridge University.  Flesh, folds, and texturality: thinking visual ellipsis via Merleau-Ponty, Hélène Cixous, and Robert Frank.

2) Ben Huberman, University of Pennsylvania.  Is Performed Sensibilité Lost Sensibility? La Nouvelle Héloïse on the Viennese Stage

In 1766, five years after its original publication in French, Rousseau’s La Nouvelle Héloïse finds itself transformed into a Viennese bourgeois comedy by playwright Franz Heufeld, a leading figure in the German theater world at the time. This double act of translation—from one language and medium into another—can only be achieved with some violence: much of what had made Rousseau’s novel the bestseller of sensibilité par excellence—long philosophical digressions, a slow, meditative pace, endless bursts of first-person emotion—was lost in the process. Charting this loss, however, reveals a great deal not only on the erasures involved in any act of translation, but also, specifically, on the mechanisms of imagined physicality and temporal ambiguity that ground Rousseau’s novel and its (failed) project of enlightened communicability. The letters—in both senses of the word—that were presumed to be transparent and self-sufficient until their collapse at the very end of Julie, ironically fulfill their potential when set—somewhat farcically—to spoken German and delivered from a Viennese stage. Whether this transformation should be judged as an aesthetic success or failure becomes irrelevant, and, in any case, impossible to answer conclusively after more than two centuries in which these two works have enjoyed such disparate fates in the canon (or outside of it). What is at stake here is the claim that erasure, by marking the contours of the object erased, exposes it even as it annihilates it; it can then be understood as an act not only of pure negativity, but also of generative power, a power to which neither party is immune.

3) Seth Lobdell, New York University.  Picnoleptic Time and the Semiotics of Disappearance: Howard Hughes, Little Ernst and Krapp on Tape.

Provoked initially by a certain ambiguity noticed in the title of one of Beckett’s most celebrated plays, Krapp’s Last Tape (1958), this paper attempts to conceive of an aesthetics of disappearance in a somewhat performative consideration of the concept through a polyphonic intertextual traversal.  Setting the Beckettian stage of Krapp in conjunction with the history of musique concrète in France, this paper posits, by way of introduction, a kind of semiotic freedom in the very medium of these concrete recordings (tape) as indicative of an aesthetic agency that has a certain parallel in Krapp’s “music.”  The paper then channels Paul Virilio’s work on picnolepsy and the concept of la disparition in order to reconceive of the performative gestures involved in Krapp’s birthday ritual of self-recording; by locating Virilio’s playful consideration of Howard Hughes’ agoraphobic strategies of disappearance in dialogue with Beckett’s obsessive protagonist, the paper considers the two texts in tandem in order to propose a mobile subject-position that attempts to locate itself in a temporal future-anteriority as a means of psychic escape.  For Hughes, this is executed spatially whereas for Krapp, the means are linguistic—the strategy however remains the same in both: to be the future self being the arrival, as well as the desire to control that arrival, to master the past by controlling what is left behind, to rewrite one’s past as that which could only attain meaning in the future, thereby forcing the present to endlessly return.  As a sort of gestural prosthetic, temporal disappearance here might suggest a kind of ontological regeneration or even freedom, particularly reinforced by the semiotics of narrative unlimitedness (Peirce’s thirdness) and the pleasures of repetition (Freud’s nachträglichkeit). In an attempt to remain faithful to the performative power of silence in Beckett’s piece, the paper ends where it began, in music, and in one of its most quieted incarnations.  William Basinski’s “Disintegration Loops” (2001) is a minimalist version of avant-garde tape looping that evocatively posits the instrument of time as the true instrument of music, allowing the music of decay to become the ghost of itself as it urges us in silence to “be again, be again,” as Krapp himself puts it in the haunting final lines of the play.

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PANEL 4 ABSTRACTS: Traces, Fragments, Memory
Moderator:  Annelle Curulla

1) Jason Earle, Columbia University.  All Is Not in the Details:  Erasing Revolutionary Violence in George Sand’s Nanon

The public position of George Sand on the question of what form the revolution should take is well-established: disgusted and disappointed with the violent turns of 1848, she retired to the country to defend a moderate form of republicanism, a move that earned her the disapproval of both left and right.  In 1872, near the end of her life, she transformed these views into fiction, publishing the last ‘great’ sandien novel: Nanon, the story of the sentimental and social adventures of her titular paysanne heroine as she observes and participates in the events of 1789 and its legacy. It is in the novel’s moments of violence that Sand demonstrates her aesthetic commitments to her political views: while describing the primary scene of revolutionary terror – execution by the guillotine – the violent descriptive detail is systematically and categorically erased.  Against her contemporaries (such as Michelet and Hugo), Sand refuses all descriptive fascination with the violent detail; the ‘moment of proof’ – from the fall of the blade to the severed body – remains curiously evacuated. This paper will attempt to unlock the aesthetic and political consequences of such an act of narrative erasure.  By focusing on scenes involving the guillotine, we will demonstrate that the representation of violence in the novel is in fact a non-representation.  The descriptive gaze of Nanon constantly confronts but willfully skirts the violent realist detail, figuring violence as a sort of presence removed. At the same time, although our focus will remain fairly limited to a few textual moments, our analysis will engender several questions of a larger order.  We will examine the political and historical vision of the revolution that this representation sets forth, as well as the consequences it entails for Nanon’s status as a political subject.  For, while the logic of Nanon’s narrative suggests an ineluctable accumulation of cultural and poetic knowledge on the part of its narrator, the refusal to represent the violent moment in all of its descriptive totality seems to imply a limit to the feminine and/or paysanne participation in representing the spectacle of the Terror.  Thus we will confront a double erasure, one that occurs at a textual level (the evacuation of the violent detail) and one at an ideological level (the possible ‘erasure’ of Nanon’s cultural status as witness).

2) Teresa Villa-Ignacio, Brown University.  Erasure and Responsibility:
Edmond Jabès’ Un Étranger avec, sous le bras, un livre de petit format.

This paper examines the motif of erasure engendering responsibility in the poet Edmond Jabès’ late book, Un Étranger avec, sous le bras, un livre de petit format.  Detecting “Nothing” (Rien) at the foundation of language and experience, the multiple speakers of the poem, concerned with the figure of the Jew-writer as étranger, repeatedly characterize this Nothing as an overwhelming absence linked to the effacement of the Holocaust deportees.  In the text, then, writing, speaking and dialoguing constitute attempts to access this erasure, to foster an ethical response to erasure, and thus, to engender responsibility – toward and/or against? ­– erasure itself.  Yet these attempts are troubled by the dilemmas of étrangeté, immigration and hospitality.  The speaker’s encounter with the étranger reveals to him that he is also an étranger to himself, an “étrange-je,” forcing him to reconsider his epistemological framework.  Furthermore, having been subjected to a societal effacement that necessitated emigration, immigration puts the immigrant at risk for additional effacements: abandonment of the culture of “origin” in order to adapt to the host culture, and/or effacement within the host culture due to racism, etc.  These multiple effacements also pose a problem for the host culture: as Derrida describes in De l’hospitalité, hospitality is always a paradoxcial responsibility, obligating the host both to accept the foreigner unconditionally ­– as an unknowable stranger –, and yet, somehow, to allow him or her to become familiar.  Jabès confronts these dilemmas in his text, questioning whether it is possible to enact a hospitality that could answer, responsibly, to immigrants’ experiences of erasure.

3) Jean Eudes Biem, Harvard University.  Amputation mémorielle et (dé)construction nationale en France et au Cameroun: perspectives croisées de Bertrand Tavernier et Werewere Liking

Ernest Rénan situait l’effacement de la mémoire au cœur de la constitution et du succès de la nation. L’oubli, et parfois l’erreur historiques, étaient ainsi des fondations essentielles d’une nation, tandis que l’investigation historique faisait peser sur l’édifice les dangers du démenti. Comment les langages de l’amnésie comme outil de construction nationale et ceux du non effacement comme stratégie de déconstruction se sont-ils manifestés, au 20ème siècle,  en France et  dans la périphérie de sa civilisation, notamment au Cameroun ? Maints courants littéraires, maintes écoles historiques et politiques ont défini l’effacement de la mémoire comme la stratégie française de destruction des nationalismes africains, et le renforcement de sa propre mémoire, comme la pierre angulaire de sa culture nationale triomphante. Mais l’importance de l’effacement dépasse un tel manichéisme, car c’est l’intérêt qui explique le choix de l’amputation ou de la préservation mémorielles comme stratégie politique et textuelle. Telle est du moins la perspective qui semble se dégager du film La Vie et rien d’autre de Bertrand Tavernier et du chant-roman La Mémoire amputée de Werewere Liking. Tavernier et Liking  mettent respectivement en perspective les effacements ayant accompagné la reconstruction de  la France après la première Guerre Mondiale et la tragique décolonisation du Cameroun sous tutelle française. Les mêmes constantes politiques et textuelles de l’effacement s’articulent de part et d’autre. Qu’est-ce qui explique alors la prospérité et l’ancrage de la culture nationale en France et leurs rapports symétriques avec l’abjecte pauvreté et l’institutionnalisation de la culture antinationaliste au Cameroun où la francisation a pourtant connu un succès indéniable ? À partir d’une lecture intensive des deux ouvrages, l’exploration de ce questionnement joindra à l’analyse culturelle, inspirée notamment par la déconstruction, des outils conceptuels empruntés à l’histoire, la politique comparée, la psychanalyse et la sociologie économique.

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